Blog

Philippe Schaus - CEO da Moët Hennessy - Divisão de Vinhos e Bebidas da LVMH - Vinhos e Espíritos.

Philippe Schaus é o Chief Executive Officer (CEO) da Moët Hennessy, a divisão de vinhos e bebidas da LVMH Moët Hennessy – Louis Vuitton S.A., ou compreendido, LVMH, uma holding francesa versada em artigos de luxo. O Sr. Schaus, acumula o cargo como membro do Comitê Executivo da LVMH desde 2012, e posiciona-se na vanguarda de produtos, que cultivam a sua própria excentricidade, e que se tornaram sinônimo das mais prestigiosas do mundo. Destacam-se: Moët & Chandon, a Krug, a Veuve Clicquot, a Hennessy e a Château d’Yquem.

Os vinhedos, localizados em Champagne, Bordeaux e outras ilustres regiões vitícolas, muitas delas, centenárias e de caráter único, compartilham uma forte cultura de excelência. Supervisionados por Moët Hennessy, “esses champanhes excepcionais, vinhos e bebidas de todo o mundo, se reúnem como uma coleção de marcas raras, onde patrimônio e inovação, autenticidade e criatividade convergem”.

Philippe Schaus, que pode ser definido como “O Líder do Século XXI”, assenta que o sucesso da Divisão de Vinhos e Bebidas da LVMH, revela-se em 26 “Our Houses”, e que são “inspiradas pelo mesmo espírito de perfeição, moldadas pela busca contínua de inovação, o aperfeiçoamento da produção, marketing e distribuição, de modo a fortalecer continuamente o apelo e a reputação de nossas marcas”.

Moët & Chandon Official

Our Houses – Vinhedos

CLOS DES LAMBRAYS – Desde 1365
CHÂTEAU D’YQUEM – Desde 1593
DOM PÉRIGNON – Desde 1668
RUINART – Desde 1729
MOET CHANDON – Desde 1743
HENNESSY – Desde 1765
VEUVE CLICQUOT – Desde 1772
ARDBEG – Desde 1815
CHÂTEAU CHEVAL BLANC – Desde 1832
GLENMORANGIE – Desde 1843
KRUG – Desde 1843
MERCIER – Desde 1858
CHANDON ARGENTINA – Desde 1959
CAPE MENTELLE – Desde 1970
CHANDON BRAZIL – Desde 1973
CHANDON CALIFORNIA – Desde 1973
VINHEDO DE NEWTON – Desde 1977
BAÍA NEBULOSA – Desde 1985
CHANDON AUSTRALIA – Desde 1986
BELVEDERE – Desde 1993
BODEGA NUMANTHIA – Desde 1998
TERRAZAS DE LOS ANDES – Desde 1999
CHEVAL DES ANDES – Desde 1999
CHANDON CHINA – Desde 2013
AO YUN – Desde 2013
CHANDON INDIA – Desde 2014
CLOS19 – Desde 2017

Fonte: LVMH Moët Hennessy – Louis Vuitton S.A.

A Trajetória de Philippe Schaus

ROMAIN GAUTHIER – O relojoeiro de precisão, nascido no coração da alta relojoaria suíça, consegue deixar novo, uma invenção antiga.

A pergunta recorrente é como a marca independente Romain Gauthier, que produz 100 relógios por ano, consegue conciliar a função prática a uma obra de arte?  Ao  parafrasear Fernando Pessoa: “O que em mim sente está pensando?”, idealizamos que uma obra de arte é o resultado das reflexões de um artista, e nessa perspectiva, a história começa com Romain Gauthier, que com apenas 22 anos, inicia atividade profissional no universo relojoeiro suíço (Vallée de Joux). Em 2002, concluiu seu MBA, e sua tese, transformase em um grande propósito, a Romain Gauthier. Ao ser entrevistado pela Northrop & Johnson, explica como conseguiu encontrar-se fabricante exclusivo de relógios de luxo:

“… Comecei a trabalhar no “design” do meu primeiro relógio, Prestige HM, em 2002. Durante três anos, criei os componentes em tardes e fins de semana, as portas fechadas. Foi um enorme investimento de tempo e energia, e eu não sabia exatamente onde isso levaria, mas me senti obrigado a fazê-lo. Eu não queria me arrepender mais tarde na vida, e determinei criar o meu próprio movimento: “conceber um relógio incomparável e torná-lo meu sonho”. Em 2005, estabeleci a marca Romain Gauthier; um ano depois, contratei o primeiro relojoeiro, e, gradualmente, construí a empresa durante os anos que se seguiram. Nesse período, Lançamos cinco coleções, incluindo a Logical One, que ganhou o prêmio “Best Men’s Complication at the 2013 Grand Prix d’Horlogerie de Genève – O Oscar de Relojoaria: Esse reconhecimento confirmou que eu estava fazendo algo certo”.

A base sobre a qual Romain Gauthier construiu a sua empresa, o qualifica como “O Líder do Século XXI”. Ao unir criações elegantes de Alta Relojoaria, domínio exclusivo dos mestres relojoeiros, desvela coleções de brilho e glória, com movimentos internos excepcionalmente elaborados, com acabamento incomum, que se permite o luxo, com metais nobres de ouro e platina.

Fonte:

Site: Romain Gauthier

Entrevista: Northrop & Johnson

Facebook – Romain Gauthier

Traduzido e Adaptado por José Roberto Fernandes Doze.
Coordenador de Conteúdo do Empório Roberto Novatto.
DGWH – Dantotsu Group Web Hosting.

Maserati - Três Carros Icônicos - A6 1500, o Allemano 5000GT e o Allemano A6G-54.

Maserati – Três carros icônicos da Maserati: A6 1500, o Allemano 5000GT e o Allemano A6G-54.

O A6 1500 foi o primeiro modelo de estrada da Maserati. Sobre o projeto, teve origem em Modena em 1941, e o desenvolvimento continuou mesmo durante os anos sombrios da Segunda Guerra Mundial, sendo lançado oficialmente no Salão Internacional do Automóvel de Genebra em 1947. Estabelece o novo conceito, apresentando não apenas o “design”  da Pininfarina´s, mas também a grande inovação, um sucesso imediato com a imprensa especializada e o público, encorajando a Maserati, a colocá-lo em produção imediatamente. No entanto, a linha foi revista, e os faróis ocultos foram substituídos por um design convencional com aro cromado. A versão “Extra Lusso” foi posteriormente equipada com uma grade mais moderna e janelas laterais maiores.

Automobile Classics / Maserati A6 1500 GT Zagato / 1946-1950

O 5000 GT Allemano foram apresentados no Salão Automóvel de Turim de 1959 e foi indiscutivelmente a sensação do evento. O automóvel, com carroceria Touring, foi apelidado de “Xá da Pérsia”; uma alusão a um automóvel, que somente poderia ser adquirido por quem tivesse poder e riqueza. Apenas três desses modelos foram fabricados, mas foram suficientes para reforçar ainda mais o status reverenciado de Maserati no mercado mundial. No ano seguinte, 1960, o 5000GT foi apresentado no Salão de Genebra com alguma revisão de seu motor, que se tornou mais “dócil”, em uma tradução livre, um automóvel que assimila muito bem a pilotagem no dia a dia, conseguindo, um desempenho que impressiona o amante de arte automotiva. Quando a parceria com a Touring chegou ao fim, outros ilustres construtores de carrocerias juntaram-se ao projeto: Pininfarina´s, Monterosa, Ghia, Frua e Allemano, que acabaram monopolizando a produção, fornecendo à Maserati a maioria das carrocerias.

Maserati 5000 GT “Persia” del 1959

O A6G-54 Allemano era outro automóvel de alto desempenho com motor de tamanho médio usado tanto na versão de estrada quanto em uma variante mais extrema destinada ao cenário de corrida. Os principais construtores de carrocerias, incluindo Zagato, Frua e Allemano, foram contratados para construir carrocerias para o automóvel. A Zagato forneceu um trabalho de “design” agressivo e funcional, feito à mão, com detalhes diferentes em cada unidade fornecida. A Frua optou por adotar um alto grau de personalização dos dois modelos (Coupé e Spyder), expressos em ousadas combinações de cores. A Allemano criou automóveis elegantes e aerodinâmicos, construídos de acordo com os padrões meticulosos esperados dos modelos GT mais luxuosos.

Maserati A6GCS-54

Os principais construtores de carrocerias que se juntaram ao Projeto Maserati:

1) Carrozzeria Pininfarina: https://pt.wikipedia.org/wiki/Pininfarina
2) Carrozzeria Monterosa: https://it.wikipedia.org/wiki/Carrozzeria_Monterosa
3) Carrozzeria Ghia SpA: https://en.wikipedia.org/wiki/Carrozzeria_Ghia
4) Pietro Frua: https://en.wikipedia.org/wiki/Pietro_Frua
5) Carrozzeria Allemano: https://en.wikipedia.org/wiki/Carrozzeria_Allemano
6) Zagato: https://en.wikipedia.org/wiki/Zagato

Três carros icônicos da Maserati:

Site – Maserati: https://www.maserati.com/maserati/international/en/news/Maserati-historical-cars-padua

1) A6 1500: https://pt.wikipedia.org/wiki/Maserati_A6
2) 5000 GT Allemano: https://en.wikipedia.org/wiki/Maserati_5000_GT
3) Maserati A6G-54: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:1956_Maserati_A6G_fr.jpg

Traduzido e Adaptado por José Roberto Fernandes Doze.
Coordenador de Conteúdo do Empório Roberto Novatto.
DGWH – Dantotsu Group Web Hosting.

ícones do Estilo - James Dean

James Dean

ATOR AMERICANO
Titulo Alternativo: James Byron Dean
James Dean , totalmente James Byron Dean (nascido em 8 de fevereiro de 1931, Marion , Indiana , EUA – morreu em 30 de setembro de 1955, perto de Paso Robles, Califórnia), ator de cinema americano que foi consagrado como um símbolo do confuso, inquieto, e juventude idealista da década de 1950. Embora tenha feito alguns filmes antes de sua morte em um acidente de carro aos 24 anos, suas performances, talvez mais notáveis ​​em Rebel Without a Cause (1955), mostraram-se duradouras.

A família de Dean se mudou de Indiana para a Califórnia quando ele tinha cinco anos. Após a morte de sua mãe, quatro anos depois, Dean retornou a Indiana, onde foi criado em uma fazenda por uma tia e um tio. Ele voltou para a Califórnia depois do colegial para estudar teatro por dois anos na Universidade da Califórnia em Los Angeles. Seu primeiro trabalho como atorprofissional foi para um comercial de refrigerantes , o que levou a um papel como John the Baptist na televisão Easter Special Hill Number One (1951). Ele interpretou partes pequenas em três filmes de Hollywood – Sailor Beware(1951), Bayonets Fixas(1951), e alguém viu meu Gal? (1952) – antes de se mudar para Nova York a conselho do ator James Whitmore , com quem havia estudado brevemente. Depois de uma série de trabalhos de curta duração, incluindo um breve período como “testador de dublês” para o game show da CBS Beat the Clock , ele foi escalado em um papel fundamental no fracasso da Broadway See the Jaguar (1953). Mais bem-sucedido foi seu desempenho insinuante e insinuante como chantagista homossexual em outra produção da Broadway, The Immoralist (1954), uma adaptação para o palco do livro de André Gide .

The Immoralist chamou a atenção de Dean para o diretor de cinema Elia Kazan , que colocou o ator de 23 anos no papel principal do adolescente problemático Cal Trask emEast of Eden (1955), a adaptação cinematográfica de John Steinbeck ‘s romance . No set, Dean perpetuou sua reputação de mudar constantemente sua interpretação de personagens e leituras de linha e por deliberadamente atrair e desafiar seus colegas atores, incluindo Julie Harris , Raymond Massey e Burl Ives . Quando East of Eden estreou, no entanto, Dean foi visto como uma estrela de cinema de primeira magnitude e foi indicado ao Oscar ; foi a primeira nomeação a ser concedida postumamente.

Leste do ÉdenJulie Harris e James Dean em East of Eden (1955), dirigido por Elia Kazan.© Warner Brothers, Inc.

Segunda estrelando aparência filme de Dean, tão sensível de alta escola desajuste Jim Stark em diretor Nicholas Ray ‘sRebelde Sem Causa (1955), fez dele a encarnação de sua geração. Seu personagem rejeita desafiadoramente os valores de seus mais velhos, enquanto desesperadamente anseia por “pertencer” e tentar encontrar um propósito na vida. O desempenho de Dean falava eloqüentemente em nome deadolescentesdesencantados e privados de privilégios e dava a eles um herói que eles podiam respeitar e admirar. O drama clássico também contou com Natalie Wood , Sal Mineo e Dennis Hopper .

Rebelde Sem CausaNicholas Ray (à direita) com Natalie Wood e James Dean no set de Rebelde Sem Causa (1955).© 1955 Warner Brothers, Inc.

Dean foi escalado para o elenco do produtor e diretor George Stevens.Gigante (1956), um drama ambientado em um rancho no Texas que também estrelou Rock Hudson e Elizabeth Taylor . Logo depois de completar o filme, o inquieto Dean partiu em seu Porsche prateado para competir em um rally de carros esportivos em Salinas , Califórnia. Acelerando pela estrada, ele caiu de cabeça em um sedã Ford e foi morto instantaneamente. Quase imediatamente, um culto intensamente leal foi estabelecido e, dias depois de sua morte, ele se tornou um ícone do cinema. Tanto Rebelde Sem Causaquanto Gigante foram libertados postumamente, e ele recebeu uma indicação ao Oscar pelo último filme. A mística de James Dean continuou a florescer no século XXI.

Ícones do Estilo - Marlon Brando

Marlon Brando

ATOR AMERICANO
Títulos Alternativos: Marlon Brando, Jr.
Marlon Brando , em plena Marlon Brando, Jr. , (nascido em 03 de abril de 1924, Omaha , Nebraska , EUA-morreu 01 de julho de 2004, Los Angeles , Califórnia), American cinema e estágio ator conhecido por seus viscerais , caracterizações ninhada. Brando foi o mais célebre dosatores do método , e sua entrega arrastada e murmurante marcou sua rejeição ao treinamento dramático clássico. Suas performances verdadeiras e apaixonadas provaram-no como um dos maiores atores de sua geração.

Brando, filho de um vendedor e atriz, cresceu em Nebraska, Califórnia e Illinois. Depois de ser expulso da Academia Militar de Shattuck, em Faribault, Minnesota, por insubordinação , mudou-se em 1943 para Nova York , onde estudou atuação sob o comando de Stella Adler no Dramatic Workshop. Ele fez sua estréia nos palcos em 1944 como Jesus Cristo na produção Oficina de Gerhart Hauptmann ‘s Hannele , e nesse mesmo ano, ele apareceu pela primeira vez na Broadway em I Remember Mama . Após bem sucedida de dois anos de execução que do jogo, Brando apareceu em Maxwell Anderson ‘s Truckline CafeGeorge Bernard Shaw ‘s Candida , e Ben Hecht ‘s A bandeira Is Born (todos 1946) e foi eleito o ‘ator mais promissor da Broadway’ por críticos de Nova York. Em 1947, ele alcançou o estrelato no palco com sua performance surpreendentemente brutal e emocionalmente carregada como Stanley Kowalski na produção de Tennessee Williams dirigida por Elia Kazan .Um bonde chamado desejo (1947).

Brando made his motion picture debut in The Men (1950), a powerfully realistic study of disabled World War II veterans. In preparation for his role, he spent a month in a hospital paraplegic ward. He received his first Oscar nomination for his performance in A Streetcar Named Desire (1951), Kazan’s highly praised screen adaptation of the play, and went on to receive nominations for his performances in Viva Zapata! (1952) and Julius Caesar (1953). Also from this period is The Wild One(1953), um drama de baixo orçamentoem que ele interpretou o líder de uma gangue de motoqueiros fora da lei. O filme tornou-se um dos mais famosos de Brando e serviu para melhorar sua imagem iconoclasta. Também contém uma das linhas mais citadas de Brando; quando perguntado sobre o que ele está se rebelando, seu personagem responde: “O que você tem?”

Vivien Leigh e Marlon Brando em A Streetcar Named Desire (1951).© 1951 Warner Brothers, Inc .; fotografia de uma coleção particular Marlon Brando e Jean Peters no Viva Zapata! (1952).© 1952 Twentieth Century-Fox Film Corporation; fotografia de uma coleção particular

A interpretação sensível de Brando de um homem musculoso que testemunhou contra seu chefe de gângster em On the Waterfront (1954), de Kazan, ganhou para ele o Oscar de melhor ator e o estabeleceu firmemente como um dos atores mais admirados de Hollywood. Em 1954 ele também retratou Napoleão Bonaparte em Desiree , e em 1955 ele cantou e dançou na comédia musical Guys and Dolls . Ele continuou o sucesso com filmes como The Teahouse ofthe August Moon (1956), Sayonara (1957; indicação ao Oscar) e The Young Lions (1958). Na década de 1960, no entanto, sua carreira entrou em um longo período de declínio. Ele estrelou o único filme que ele já dirigiu, o westernJacks com um só olho (1961); agora um favorito cult, era notório na ocasião para a despesa excessiva de tempo e dinheiro de Brando. Um remake pródigo deMotim sobre o Bounty (1962) foi outro fracasso caro, ecomportamento recalcitrante de Brandodurante suas filmagens adicionado à sua crescente reputação como um ator problemático e exigente. A maioria de seus filmes remanescentes dos anos 60, incluindoo filme final de Charlie Chaplin , A Condessa de Hong Kong(1967), são esquecíveis.

Francis Ford Coppola ‘sO Poderoso Chefão (1972) rejuvenesceu a carreira de Brando. Como chefe do crime organizado Don Vito Corleone, Brando criou um dos mais memoráveis ​​- e mais imitados – personagens do cinema de todos os tempos. Seu desempenho lhe rendeu outro melhor atorOscar , mas ele recusou o prêmio em protesto contra os retratos estereotipados dos nativos americanos ao longo da história do cinema. Brando foi ainda mais vindicado como ator por seu papel de liderança na Bernardo Bertolucci sexualmente explícito do tango L’ultimo a Parigi (1972; O Último Tango em Paris ). Ele apareceu em apenas mais cinco filmes durante o restante da década – incluindo importantes papéis coadjuvantes em Superman (1978) e Apocalypse Now (1979) – em que ele se retirou para seu atol polinésio privado.

Brando ressurgiu nove anos depois para representar um advogado antiapartheid em A Dry White Season (1989) e recebeu sua oitava indicação ao Oscar – seu primeiro de melhor ator coadjuvante – pelo papel. Ele apareceu em seis filmes durante a década de 1990, com destaque para o envio de seu personagem Godfather emThe Freshman (1990) e por seu retrato sensível de um psiquiatra idoso em Don Juan DeMarco (1995). Ele também recebeu boas notícias por seu papel como um diretor de prisão corrupto na comédia Free Money (1998), embora o filme não tenha sido amplamente distribuído. Em 2001, ele apareceu no thriller de assalto The Score (2001). A extensa coleção de diários de áudio pessoal de Brando – gravada ao longo de muitos anos – foi a base do documentárioOuça-me Marlon (2015).

Brando era uma espécie de paradoxo: ele é considerado o ator mais influente de sua geração, mas seu desdém aberto à profissão de ator – como detalhado em sua autobiografia, Songs My Mother Me Me (1994) – manifestou- se em geral sob a forma de escolhas questionáveis ​​e performances sem inspiração. No entanto, ele continua sendo uma presença fascinante na tela, com um vasto leque emocional e uma infinidade de idiossincrasias compulsivamente assistíveis.

Ícones do Estilo - Rodolfo Valentino

Rudolph Valentino

ATOR AMERICANO
Título alternativo: Rodolfo Alfonso Raffaello Pierre Filiberto Guglielmi di Valentina d’Antonguolla
Rudolph Valentino , apelido de Rodolfo Alfonso Raffaello Pierre Filibert Guglielmi de Valentina d’Antonguolla , Alfonso também escreveu Alfonzo , Raffaello também escreveu Raffaelo , Pierre também escreveu Pietro , e Filibert também escreveu Filiberto , (nascido em 6 de maio de 1895, Castellaneta, Itália – morreu 23 de agosto de 1926, Nova York , EUA), ator americano nascido na Itália que foi idolatrado como o “Grande Amante” dos anos 1920.

Quando Guglielmi tinha 11 anos, seu pai, um veterinário, morreu de malária. Depois de ser rejeitado pelo serviço militar, supostamente porque ele era muito frágil, ele estudou ciências agrícolas. Em 1913, Guglielmi imigrou para os Estados Unidos e se estabeleceu em Nova York, onde trabalhou como jardineiro e como lavador de pratos. No ano seguinte, ele fez seus primeiros filmes, aparecendo em papéis não creditados. Nessa época, ele foi contratado pela boate Maxim’s para servir como parceira de dança para clientes do sexo feminino, e o trabalho o expôs à alta sociedade. Ele teria sido contratado por Blanca de Saulles, uma herdeira chilena, para trabalhar como jardineira, e ele testemunhou em sua audiência de divórcio, alegando que seu marido, John de Saulles, havia cometido adultério. Mais tarde, João mandou prender Guglielmi sob acusações duvidosas de “vício” e, em 1917, Blanca matou seu marido. Preocupado que ele seria pego no escândalo que se seguiu,

Em 1918, Guglielmi se estabeleceu em Los Angeles, onde se concentrou em atuar e acabou escolhendo o nome artístico Rudolph Valentino. No ano seguinte, ele se casou com a atriz Jean Acker, que era supostamente gay, e o casal infeliz se divorciou em 1922. Sua vida profissional, no entanto, mostrou-se mais bem-sucedida. Depois de tocar várias peças pequenas, ele foi escalado como Julio em Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse (1921). O drama de guerra tornou  se conhecido por uma cena de tango com Valentino e Beatrice Dominguez, e isso fez dele uma estrela, com sua popularidade sendo gerenciada por habilidosos agentes de imprensa de Hollywood. Valentino apareceu então em uma série de dramas românticos , notavelmente The Sheik (1921), Blood and Sand (1922), eA Águia (1925).

CamilleAlla Nazimova (esquerda) e Rudolph Valentino (primeiro plano, à direita) em Camille (1921), dirigido por Ray C. Smallwood.De uma coleção particular

Muitos desses filmes eram conhecidos por figurinos extravagantes e maquiagem pesada, e todos destacavam a beleza exótica de Valentino – se às vezes sexualmente ambíguo -. No entanto, seus detratores – a maioria dos quais eram homens – questionaram sua masculinidade, e um colunista afirmou que Valentino era responsável pela “degeneração em efeminação” dos Estados Unidos. Embora tais comentários tenham irritado o ator, eles tiveram pouco impacto em sua popularidade. Na verdade, sua fama era tamanha que um escândalo de bigamia – ele se casou (1922) com a cenografia e o cliente Natasha (também grafado Natacha) Rambova antes de seu divórcio ter sido finalizado – apenas pareceu melhorar sua imagem romântica. O casamento de Valentino com Rambova foi anulado e eles se casaram novamente em 1923. No entanto, a união foi tumultuada. Rambova foi acusada de ser controladora, e ela foi amplamente culpada pela aparição de Valentino em vários filmes mal recebidos, notavelmente Monsieur Beaucaire e A Sainted Devil (ambos de 1924). Ela acabou sendo banida de seus sets, e eles se divorciaram em 1925. No ano seguinte, ele estrelou o que era possivelmente seu filme mais popular , The Son of the Sheik , ganhando elogios especiais por sua performance. Foi o último filme de Valentino e cimentou seu status como um lendário galã.

Logo após a estréia de O Filho do Xeque , Valentino, de 31 anos, morreu repentinamente de peritoniteapós sofrer uma úlcera rompida. Sua morte causou histeria em todo o mundo , vários suicídios e tumultos em sua mentira, o que atraiu uma multidão que se estendeu por 11 quarteirões. Segundo relatos, mais de 80.000 fãs compareceram ao seu funeral. Todos os anos, após sua morte, uma misteriosa “Mulher de preto”, às vezes várias “Mulheres de preto”, aparecia em seu túmulo.

Ícones do Estilo - Steve McQueen

Steve McQueen

ATOR AMERICANO
Título alternativo: Terence Stephen McQueen
Steve McQueen , de Terence Stephen McQueen (nascido em 24 de março de 1930, Indianapolis , EUA – morreu em 7 de novembro de 1980, Juarez , México), estrela de cinema americana lacônica dos anos 1960 e 1970. Legal e estoico , seus heróis solitários falavam através de ações e raramente com palavras.

McQueen passou por biscates e três anos de serviço nos fuzileiros navais antes de começar a se apresentar no Neighborhood Playhouse, em Nova York, em 1952. Ele fazia trabalhos ocasionais de teatro , fazendo sua estréia na tela com um pouco de participação.Alguém lá em cima gosta de mim(1956). Seu primeiro papel de protagonista foi no clássico de terror do campoThe Blob (1958), e nesse mesmo ano ele ganhou o papel principal de um caçador de recompensas na série de televisãoWanted: Dead or Alive , que funcionou até 1961.

No início dos anos 1960, McQueen alcançou o estrelato quando apareceu em dois filmes de ação dirigidos por John Sturges . O primeiro deles foi o western The Magnificent Seven (1960), em que ele estrelou com Yul Brynner e Charles Bronson como defensores de uma aldeia mexicana. O segundo filme de ação para refinar a imagem de McQueen foiThe Great Escape (1963), em que ele interpretou um cativo aliado em umcampo de prisioneiros alemão da Segunda Guerra Mundial que faz uma ousadafuga de motocicleta .

McQueen estrelou vários filmes de qualidade durante a década de 1960, incluindo The War Lover(1962), Love with the Proper Stranger (1963), Soldier in the Rain (1963), Baby, The Rain Must Fall (1965) e The Cincinnati Kid. (1965). Ele recebeu sua única indicação ao Oscar por outro épico de guerra,The Sand Pebbles (1966), mas seu papel definitivo veio como um detetive cansado do mundo resolvendo um caso de assassinato em massaBullitt (1968). Neste filme, o entusiasmo da vida real de McQueen por corridas entrou em jogo em uma célebre e prolongada perseguição de carro pelas ruas de São Francisco, para a qual o próprio McQueen atuou como um dublê de motorista. A alcaparra eleganteThe Thomas Crown Affair (1968) lançou McQueen contra o tipo como um ladrão rico e elegante, mas provou ser uma de suas performances mais memoráveis.

Steve McQueen em The Thomas Crown Affair (1968).© The Mirisch Corporation

Muitos outros filmes de sucesso se seguiram na década de 1970, como The Getaway (1972), Papillon(1973) e The Towering Inferno (1974), mas McQueen pouco fez para se desenvolver como ator. Ele tomou um de três anos hiato para estrelar e produzir uma tela de adaptação de Henrik Ibsen peça de teatroUm inimigo do povo (1977), um drama sobre os esforços de um cientista para expor o sistema de água poluída de sua comunidade. O filme foi decididamente um trabalho de amor para o ator, mas foi mal recebido e mal lançado nos cinemas.

Em 1980, McQueen jogou duas vezes um caçador de recompensas, no western Tom Horn e no filme de ação contemporâneo The Hunter , seu último filme.

Ícones do Estilo - Elvis Presley

Elvis Presley

CANTOR E ATOR AMERICANO
Títulos Alternativos: “Elvis the Pelvis”, “Rei do Rock and Roll”, Elvis Aaron Presley, Elvis Aron Presley
Elvis Presley , na íntegra Elvis Aaron Presley ou Elvis Aron Presley ( ver Nota do Pesquisador ) , (nascido em 8 de janeiro de 1935, Tupelo , Mississippi , EUA – falecido em 16 de agosto de 1977, Memphis , Tennessee), cantor popular americano amplamente conhecido como “ Rei do Rock and Roll ”e um dos músicos dominantes da música rock desde meados dos anos 1950 até sua morte.

Presley cresceu pobre em Tupelo, mudou-se para Memphis ainda adolescente e, com a família, ficou de fora da previdência apenas algumas semanas, quando o produtor Sam Phillips naA Sun Records , uma gravadora de blues local, respondeu à sua fita de audição com um telefonema. Várias semanas de sessões de gravação resultaram de uma banda composta por Presley, guitarristaScotty Moore e baixistaBill Black . Seu repertório consistia no tipo de material pelo qual Presley se tornaria famoso: blues e country songs, baladas Tin Pan Alley e hinos evangélicos . Presley conhecia algumas dessas músicas do rádio, algumas da igreja Pentecostal de seus pais e o grupo canta que ele assistiu na igreja Memphis, do Rev. HW Brewster, e algumas delas dos clubes de blues de Beale Street que ele começou a freqüentar como adolescente.

Presley já era uma personalidade extravagante , com cabelos compridos engraxados e combinações de roupas coloridas, mas sua personalidade musical completa não surgiu até que ele e a banda começaram a tocar com o cantor de blues.Canção de Arthur (“Big Boy”) Crudup “That’s All Right Mama” em julho de 1954. Eles chegaram a uma síntese surpreendente,rockabilly , mantendo muitas das inflexões do blues do original, mas com a voz de alto tenor de Presley adicionando um toque mais leve e com o ritmo básico atingindo um groove muito mais flexível. Esse som foi a marca registrada dos cinco singles que Presley lançou na Sun no ano seguinte. Embora nenhum deles tenha se tornado um sucesso nacional, em agosto de 1955, quando ele lançou o quinto, “Mystery Train, ”indiscutivelmente seu maior disco de todos os tempos, ele havia atraído um número substancial de seguidores do Sul para suas gravações, suas aparições ao vivo em trailers regionais e clubes, e suas apresentações de rádio no ar nacional Louisiana Hayride . (Uma mudança musical chave veio quando o bateristaDJ Fontana foi adicionado, primeiro para os shows de Hayride , mas também em registros que começam com “Mystery Train”.)

A administração de Presley foi então entregue para Coronel Tom Parker , um traficante de música country que criara estrelas de Eddy Arnold e Hank Snow . Parker arranjado para catálogo de canções de Elvis Presley e contrato de gravação para ser vendido para grandes empresas com base na cidade de Nova Iorque, Hill and Range eRCA Victor , respectivamente. A Sun recebeu um total de US $ 35.000; Elvis recebeu US $ 5.000. Ele começou a gravar nos estúdios da RCA em Nashville, Tennessee , com um grupo um pouco maior de músicos, mas ainda incluindo Moore, Black e Fontana e começou a criar uma sensação nacional com uma série de sucessos: “Heartbreak Hotel”, “Don’t Be Cruel ”,“ Love Me Tender ”(todos de 1956),“ All Shook Up ”(1957) e muito mais.

De 1956 a 1958, ele dominou completamente os gráficos de best-sellers e inaugurou a era dos rock and roll , abrindo portas para artistas de rock branco e preto. Suas aparições na televisão , especialmente aquelas emO show de variedades de Ed Sullivan , no domingo à noite, estabeleceu recordes para o tamanho do público. Até mesmo seus filmes, alguns veículos leves, foram quebra de bilheteria.

Presley tornou-se o ídolo adolescente de sua década, saudado em toda parte gritando hordas de mulheres jovens, e, quando foi anunciado no início de 1958 que ele havia sido convocado e entraria no Exército dos EUA, havia aquele mais raro de todos os eventos da cultura pop , um momento de verdade. pesar. Mais importante, ele serviu como o grande catalisador cultural de seu período. Elvis projetou uma visão mista de humildade e autoconfiança, de intenso compromisso e descrença cômica em sua capacidade de inspirar frenesi. Ele inspirou literalmente milhares de músicos – inicialmente os sulistas mais ou menos parecidos, de Jerry Lee Lewis e Carl Perkins.em baixo, que foram a primeira geração de rockabillies e, mais tarde, pessoas que tinham combinações muito diferentes de influências e ambições musicais e culturais. De John Lennon paraBruce Springsteen , Bob Dylan para Prince , era impossível pensar em uma estrela do rock de qualquer importância que não tivesse uma dívida explícita com Presley.

Elvis Presley, 1956.© Bettmann / Corbis

Além disso, Presley inspirou seu público. “Era como se ele sussurrou seu sonho em todos os nossos ouvidos e, em seguida, nós sonhamos”, disse Springsteen no momento da morte de Presley. Você não precisava ser uma estrela do rock and roll ou até mesmo um músico para querer ser como Elvis – o que significava, no final das contas, ser livre e desinibido e ainda assim fazer parte do cotidiano. Literalmente, milhões de pessoas – uma ou duas gerações inteiras – definiram seu senso de estilo pessoal e ambição em termos que Elvis personificou primeiro.

Como resultado, ele era tudo menos universalmente adorado. Aqueles que não o adoraram, acharam-no desprezível (ninguém o achou ignorável). Pregadores e eruditos declararam-no um anátema , seu estilo de palco de balançar no quadril pentecostal e vocal ofegante além de obsceno. Os racistas denunciaram-no por misturar música negra com branco (e Presley sempre foi escrupuloso em creditar suas fontes negras, uma das coisas que o diferenciavam dos escritores e cantores do Tin Pan Alley que por décadas levantaram estilos negros sem crédito). Ele foi declarado responsável por todo vandalismo adolescente e delinquência juvenil . No entanto, em todas as aparições na televisão, ele parecia afáveleducado e de fala mansa, quase tímido. Foi apenas com uma banda nas costas e uma batida no ouvido que ele se tornou “Elvis the Pelvis”.

Em 1960, Presley voltou do exército, onde serviu como soldado na Alemanha, em vez de ingressar na divisão de entretenimento dos Serviços Especiais. Aqueles que o consideravam como um comercial sem talento, esperavam que ele desaparecesse. Em vez disso, ele continuou a ter hits das gravações armazenadas pouco antes de entrar no exército. Após seu retorno aos Estados Unidos, ele pegou praticamente de onde parou, produzindo uma série de mais de 30 filmes (de Blue Hawaii a Change of Habit ) nos próximos oito anos, quase nenhum deles se encaixando em nenhum gênero.além de “filme de Elvis”, que significava um leve romance cômico com interlúdios musicais. A maioria acompanhava álbuns de trilha sonora, e juntos os filmes e os discos faziam dele um homem rico, embora eles quase o arruinassem como qualquer tipo de artista. Presley fez seu melhor trabalho na década de 1960 em singles ou desconectado dos filmes ou apenas marginalmente preso a eles, gravações como “It’s Now or Never (‘O Sole Mio’)” (1960), “Are You Lonesome Tonight?” “Little Sister” (ambos de 1961), “Can’t Help Falling in Love”, “Return to Sender” (ambos de 1962), e “Viva Las Vegas” (1964) Presley não era mais uma figura controversa; um artista de massa mais previsível, uma personagem de praticamente nenhum interesse para o público de rock que se expandiu tanto com o advento dos novos sons dos Beatles , oRolling Stones e Dylan.

Elvis Presley e Joan Blackman em Blue Hawaii (1961).© 1961 por Hal B. Wallis e Joseph H. Hazen, Paramount Pictures Corporation; fotografia de uma coleção particular

Em 1968 as mudanças no mundo da música tinha ultrapassado Presley-ambos os filmes grosses e recorde de vendas tinham caído. Em dezembro, seu especial de Natal de um homem foi ao ar; Um tour de force de rock and roll e rhythm and blues , restaurou muito de sua credibilidade dissipada. Em 1969 ele lançou um single que não tem nada a ver com um filme ”Mentes suspeitas”; foi para o número um. Ele também começou a fazer concertos novamente e rapidamente conquistou um número considerável de seguidores, embora não fosse tão universal quanto sua audiência na década de 1950 – na maior parte, era sulista e centro-oeste, classe trabalhadora e pouco sofisticada e predominantemente feminina. Durante a maior parte da década seguinte, ele foi novamente uma das principais atrações ao vivo nos Estados Unidos. (Por uma variedade de razões, ele nunca se apresentou fora da América do Norte.) Presley era agora um artista americano mainstream, um ícone, mas não tanto um ídolo. Ele havia se casado em 1967 sem muito furor, tornou-se pai com o nascimento de sua filha, Lisa Marie, em 1968, e se divorciou em 1973. Ele não fez mais filmes, embora tenha havido um bom filme de concerto, Elvis on Tour.. Suas gravações eram de qualidade irregular, mas em cada álbum ele incluiu uma ou duas músicas que tinham foco e energia. Os acessos foram mais difíceis de encontrar – “Suspicious Minds” foi seu último número um e “Burning Love ”(1972), sua última entrada no Top Ten. Mas, graças aos shows, espetáculos melhor descritos pelo crítico Jon Landau como uma apoteose da comédia musical americana , ele continuou sendo um grande ganhador de dinheiro. Ele agora não tinha a ambição e o poder de seus primeiros trabalhos, mas isso pode ter sido uma coisa boa – ele nunca pareceu uma relíquia datada da década de 1950 tentando alcançar as tendências, mas era apenas um artista, incansavelmente ele mesmo.

No entanto, Presley também desenvolveu um estilo de vida letal. Passando quase todo o seu tempo quando não está na estradaGraceland , sua propriedade em Memphis (na verdade, apenas uma grande casa colonial do sul decorada em algum lugar entre a modernidade banal e a extravagante faux-Vegas), ele vivia noturnamente, cercado por bajuladores e recheado de comidas gordurosas e uma variedade de remédios. Seus shows se deterioraram nos últimos dois anos de sua vida, e sua carreira de gravação chegou a um impasse virtual. Presley nunca pareceu confiante em seu status, nunca inteiramente certo de que não voltaria a cair na miséria e, como resultado, parece ter-se imobilizado; o homem que arriscara tudo, incluindo a ridicularização em potencial, para se tornar um sucesso agora vivia no regime lockstepde um viciado e recluso. Finalmente, no verão de 1977, na noite anterior ao início de mais uma turnê, ele morreu de um ataque cardíaco causado em grande parte por abuso de drogas . Ele tinha 42 anos de idade.

Quase imediatamente após ouvir sua morte, pessoas de todo o mundo se reuniram em Graceland para dizer adeus ao pobre menino que viveu o sonho americano. De certa forma, esse luto nunca cessou: Graceland continua sendo uma das principais atrações turísticas do país, e os álbuns e outros artefatos de Presleycontinue a vender rapidamente. Cada uma das multidões de agosto reúne-se a Graceland para homenageá-lo no aniversário não de seu nascimento, mas de sua morte. De vez em quando surgiam rumores de que ele não morrera de fato, que sua morte era uma farsa destinada a libertá-lo da fama. Os imitadores de Elvis são uma legião. Seus maiores fãs – mulheres brancas da classe trabalhadora, quase exclusivamente – passavam seu fanatismo para os filhos, ou pelo menos para um número surpreendente de filhas. “Elvis deixou o prédio”, mas aqueles que ainda estão lá dentro decidiram continuar. Mais uma vez, Elvis Presley é triunfante, embora esse triunfo seja obscurecido por algo menos que a felicidade.

Dave Marsh